浅谈人文主义思潮对服饰的影响
浅谈文艺复兴时期的主要服饰特点及在现代服装中的体现
文艺复兴时期的服饰面料
此时的服装业随着羊毛、丝织、呢绒、毛皮等行业的发展而更加兴盛起来。由于中世纪十字军东征的影响,海上新航道的开辟和新大陆的发现，使东方古国那些令人眼花缭乱的织锦、丝绸和印花棉布等高级面料也源源不断的输入欧洲，而意大利的威尼斯、佛罗伦萨、米兰、热那亚、路卡等城市也都开始有高度发达的织物工厂,大量生产天鹅绒、织锦缎以及织进金银线的织金锦等华贵面料，因此从这一时期开始服饰面料的奢华程度不断升级。
文艺复兴时期的服饰色彩
欧洲文艺复兴时期的妇女对于服饰的用色非常讲究。这时期的服饰色彩随着服饰奢华程度的提升，愈加的明亮，人们喜爱诸如黄兰红绿紫这种具有明亮光泽的色调，甚至会在织锦、天鹅绒面料中织进闪闪发光的金银线。
在文艺复兴初期，服饰色彩整体偏向浓郁色调，如深蓝色、红色、酒红色、金色和黑色，而此时深红色仅为皇族的专用色。到1550 年以后，女装上的色彩开始用于为镶满珠宝的华贵服装作修饰衬底，色彩主要为猩红色、黄色、橙色、丁香色、蔷薇色、翠绿色、浅粉、紫罗兰色、天蓝色等；如图所示伊丽莎白一世所穿着的镶嵌满珠宝的服装上就包括了这些色彩，但主要色调还是以白色和银色为主。
在温莎城堡里，挂着一幅 16 世纪当时还是公主的英国伊丽莎白女王的肖像画，画中的她穿着玫瑰色的长袍，花纹别致，袖子的外部从肩上自然地垂下，内部装饰着许多宝石，与白色的织物和金丝棉缎做成的裙子相互映衬②。如图 2.5。亨利八世的第四位妻子安尼的整体衣着就极有文艺复兴盛期女服的特色：金丝绒罗纱，领口周边镶着金丝和珠宝，鲜红耀眼的天鹅绒长外衣也绣着金边，腰间系有金扣饰腰带③。如图 2.6。由此我们不难发现，金色与红色、黑色与白色色彩是当时女性所喜爱的。在西班牙风格时代，服饰是威严、正统、沉稳的单色，尤其是黑色中充满了天主教的神秘色彩和禁欲主义。在黑色的面料上，用金银线和珍珠、宝石刺绣作为装饰，更加突显出西班牙权力的高贵和不可侵犯的特点。
文艺复兴时期的丰胸、细腰及垫臀
文艺复兴时期女装造型的最具特色就是通过服饰来改变身体的形态，使女性的胸、
腰、臀曲线更加优美。为了追求这种丰胸、细腰、丰臀的形体美，完成女性的理想形体 的造型，紧身胸衣和裙撑应运而生，它们的出现，构成了西方女服人为化的造型基础。。
1、 切口样式的服饰
此时，欧洲各国的男女都盛行穿戴有切口装饰的服装和鞋帽，尤其在德国，这种式样特别受欢迎。其做法是把外面一层衣服或面料切开（或剪成）一道道有规律的口子，或平行切割，或切成各种花样图案。这些连续不断的切口裂开，露出内衣或衬料，使两种不同质地、光感和色彩的面料交相辉映，互为补衬，并在活动不定侧切口处隐现，外观新奇而奢华，产生前所未有的装饰效果，这种切口样式的服饰在瑞士首创后流行于欧洲各国，人们争相在衣裙、裤子、外套甚至手套、鞋帽上大作切口装饰。
1520年——1535年是切口服饰盛行的年代。切口的形式变化很多，有的切口很长，如袖子和短裤上的切口，面料从上至下切成一条条的形状，而肥大饱满的内衣鼓胀出来，显得华侨炫目，有的切口很小，如在外衣或女裙上，常铺天盖地、秘密地排列着小小的切口。或斜排，或交错，组成有规律、有立体感的花纹图案，显得优雅华贵。富豪们还在切口两端镶嵌珠宝，更是灿灿生辉，奢华无比。在手套和鞋子的切痕一半都比较小，而帽子上的切痕有时较大，使帽顶一般般裂开像绽开的花朵。
2、 轮状皱领
这一时期被欧洲男女普遍采用否认领饰为轮状皱领即“拉夫”（Ruff）领，据说由法国首创。这种领子成环状套在波仔上，其波浪形折皱是一种呈“8”字形的连续褶裥。制作时用白色或染成黄、绿、蓝等浅色的细亚麻布或细棉布裁制并上浆，干后用圆锥形熨斗放置在领圈中做支架。据说，这种领子因褶裥做的大而多，所以很废料，需用宽23cm和长数米的面料。在褶裥的外沿有时制成齿状花边，更添华丽。宽大的领子卡住脖子，转动不便，贵族们在吃饭时还要使用特制的长柄勺。16世纪中叶以后，拉夫领在欧洲最为流行。
3、紧身胸衣
文艺复兴时期女性造型的主要特色就是通过服饰的穿着来改变身体的形态，使女性的胸、腰、臀曲线更加优美。而紧身胸衣是改变女性形体的主要工具，它包含了丰胸与细腰两个功能，其历史渊源可以追溯到中世纪的拜占庭，女性最初用系带勒紧衣服是满足其参加跳舞、骑马等运动的需求，这个时期是出于功能性的考虑。真正意义上的紧身胸衣形成于十六世纪，贵族女性在那时开始穿鲸须紧身衣，这时的紧身胸衣形式大过了功能，人们开始用硬制材料来塑造身体，使胸部突出、腰部紧细，使身体呈现沙漏型的状态。因而胸衣也有软硬之分，硬制的使用金属丝或者鲸须制成，先按女子体型做成四片框架，再用扣钩连接；而 软制的则使用布代替，用薄衬来加厚，同样在前后侧的主要部位嵌入鲸须加以定型，后开口用系带收紧。提及鲸须，无论在哪个年代都不是轻易得到的物品，如英国早在 1324年就颁布了有关法令，倘若在海滩发现鲸鱼的尸体，那么就归国王和王后所有。在文艺复兴时期穿着紧身胸衣的多为贵妇。一位伯爵夫人的肖像画中，夫人正在梳妆打扮，穿着随意，敞开的上衣里面穿着有系带的粉色内衣，坚硬的内衣显现出她的亭亭玉立。如图 4.6。服装历史学家内奥米·塔兰特曾经提出猜测：伯爵夫人在梳理头发时，没能将衣服穿好，很可能是因为她如果真的将上衣系好，她就无法梳头发了，可见外衣也有紧身收腰的功效。法国王后凯瑟琳·德·麦迪奇就是紧身胸衣的狂热者，她讨厌腰粗，有学者认为她是紧身胸衣的创始人。伊丽莎白一世也是紧身胸衣的推崇者，她就曾经在手艺人威廉·维特尔手中买了一件皮革紧身胸衣，几年后，手艺人威廉·詹姆斯又为其制作了一件带撑条的紧身衣，可闭合或可敞开，可带装饰或不带装饰，可内穿也可外穿。可见紧身胸衣花样之繁多。美国服装心理学家赫洛克写道：“希腊、罗马的妇女用麻布、羊毛或皮革做成紧身衣„„在英国伊丽莎白皇后及法国麦迪奇时代，终于成为一种最残醋的服装。那时，紧身衣用铁丝及木条做成，紧贴皮肉，
往往擦伤皮肤，造成令人不能相信的痛苦。不管她们的身材及体重，只要她们想进出宫殿的话。每位妇女必须保持 13 英寸的腰围„„昏晕、心脏病及早死只是少数紧腰的结果而已①”。在可见为了追求束腰之美，女性不惜违背人体固有的结构而紧箍着自己的身子。
4、裙撑
倘若说紧身胸衣是文艺复兴时期女性不可缺少的塑形工具，那文艺复兴时期的裙撑 又是与紧身胸衣完美搭配必备的另一种装置，它庞大的形制将女性上半身凸显地更加紧 瘦，上紧下松形成了鲜明的对比，也为女性添加了一份摇曳美，它与紧身胸衣配合在一起塑造出一批一批奇特而美妙的女性形象。它最早于 1468 年出现在西班牙宫廷中，随后流传到英国，以至于后来欧洲各国都开始使用这种装置，只是裙撑的宽度逐渐增加。1530 年，法国就出现了一种名叫垫圈的宽式衬箍①。裙撑是用藤条、棕榈或者鲸鱼骨编织而成，穿衣服时，先穿裙撑再套上华丽的裙子，使裙子的造型立刻庞大优雅起来。而法国人创造的垫圈式裙撑是用马尾织物制成的，他们将填充物塞于其中，用铁丝定型，最后呈现的是前面略低，裙子外罩于上，形成腰部平着向四周延伸。在此基础上，英国人又将其罩上了圆形的盖，外沿用金属丝或鲸须撑圆，内圈与其下的。垫圈式裙撑相连，外形特色与法式裙撑基本一样，只是向四周延伸的体积更加庞大。
如图 4.8。在巴塞罗那艺术博物馆中有一副由彼得罗·加尔什·波纳巴利绘制的裙撑画面，画面展现了裙撑的最高形状，由上到下逐渐增大，共有六只圆形裙撑，紧紧附在裙装上。
随着裙撑体积的增加，裙摆的宽度也自然需要增大，因而裙子的布料消耗也大大增加。于是政府颁布了相关法令，限制裙撑的使用，但这并不起作用，正如人们所言：“没有任何权威诏令能阻止流行时尚”。裙撑普及后，使用者的年龄范畴跨度也非常大，无论的女童或是成年女子都的着装中都能出现裙撑的影子。如图 4.9、4.10。最终裙撑的使用延续了将近四个世纪后直到19世纪末才逐渐被抛弃。
5、填充衬垫
大量使用填充衬垫是文艺复兴时期的又一重要特征。早在中世纪时期，男性上衣豪普兰德已采用了填充物，使衣服的肩胸鼓起，使男子的上身显得挺阔威武。到文艺复兴时期，则更重视和扩大了衬垫的使用。尤在男服的肩部、上臂部、胸部和短裤内，大量填充衬垫使之饱满形成四四方方的造型，有人称之为“方箱型”，特别夸张了男子形体的宽阔雄伟，强调了异常伟岸的大丈夫气概。男子在短裤一下扔穿着紧瘦长袜，双腿显得劲健挺拔。上下对比，构成上重下轻的男服格局，与此相应的是女子用衬垫填充或撑起臀腹部，使裙子在紧束的纤腰之下突然鼓胀起来，就像一口倒扣的大钟，细腰以上的头胸部就像钟把，构成了上亲下重的女服格局，并在柔美秀丽中见出气派，与男子形象互为辉映。
这两种男女服的总体格局，成为以后好几个世纪的固定形态。指导20世纪初，当女子穿上短裙和裤子后，这种格局才被打破。
有时，为了造型上的美观，过多的使用衬垫填充物，造成了衣服的僵硬、厚板，因而大大妨碍了人体的运动，使人彷佛置身在一个牢笼里。并造成了过于人工做作的僵化的人物形象的模式，个性被掩藏在服饰的框架及其华美繁缛的装束中，人们所赖以评价他人的首先是人的服饰形态而不是人的本质形态。这里暴漏出一个永远存在的问题，即服饰美和人体美之间是紧密相关的，又是存在矛盾的。一代又一代的服饰设计师就是在做着这样一件奇妙的工作：他们每个人都不过是在一个永远难以彻底解决的矛盾问题面前，尽量做出自己的努力，使服饰美和自然美的矛盾不断互相调整，彼此协调。
6、袖子的变化以及肩饰的出现
由于服装多用衬垫填充，肩和袖子都填的很厚，造成僵硬状态，使袖笼处无法严密缝接，需用巧妙办法加以连接，如用系带、金属链扣或宽条的镶嵌带等将袖子固定在肩窝处，或用针线粗略缝拢。这样，就使袖子可以随时拆卸，因此，肩袖子的接缝处比较粗糙明显，为了加以遮掩，就出现了肩饰，即在衣身的袖窝处另上一个三角形袖片，肩部正中地方较高耸，正好把袖笼接缝处遮盖起来。从外表看，仅仅使肩部多了一个装饰而已，它还到了垫肩的作用，使肩部扩宽并高耸，显得很有气派。
由于袖子可以随意拆卸，也就可以随意更换。对于洗好时髦的男女来说，同一件衣身可以根据需要随时更换不同面料、色泽和不同造型的袖子，使一件衣服变化多端。据记载，当时人在送礼时，出现了多种新奇夸张的样式，有所谓的“羊腿袖”“灯笼袖”、“糖葫芦型”和主教袖型（即中世纪主教服上的大型长袖灯笼袖式样）等等。另外，有的还附加了各种不同的垂袖。
通过此时服饰的各种特点，我们可以看出：当时的设计师无论是在服装的图案装饰上还是在服装的整体与局部造型，都表现出一种富有立体感的构思。他们是把服装及装饰作为一种立体造型艺术加以设计，而不是仅将其当作平面来设计，因此必然扩大了设计师的想象力。他们为服装的整体和局部塑形（如填充衬垫的澎体连衣裙、肩饰和各种袖子造型以及轮状皱领），同时，为服装的装饰找到一种立体的表现法（如切痕装饰）。当然，正因为在服饰美的设计上走的更远，它和人体本身的自然美的矛盾就加深了，人体被装进一个人工制造的“美的”框架中不能自拔，不仅失去其自由表现的机会，并使自然的躯体本身受到了框架的束缚，
文艺复兴时期女服装饰手法
据外国印染史料记载，公元前 1400 年左右印度已用木板印染方法来制作纺织品。他们喜欢使用蓝、绿、青和茜色，纹样多为花草题材，表现出东方特色的装饰形式。后来大量印花布传入欧洲。而在欧洲，13 世纪前关于印染织物的记载较少，到 13 世纪后，的织造印染业得到了大力发展。早期的印染面料多为红色、绿色和蓝色为地，再加印金银纹样，主要采用的方法也是为木板印染。欧洲各国也非常喜爱用刺绣技法来装饰女性服饰，大约在中世纪时期，刺绣的方法从东方传入欧洲。开始是用于法衣、帷幔和丝绸长袍上，而丝绸的刺绣服饰仅供上层社会女性穿着。当刺绣技艺逐渐流传乡村后，受到女性喜爱，刺绣技术也得到了发展。之后的文艺复兴时期，女性们的衣裙、胸衣、袖子等都有精美的刺绣装饰，而衣服的门襟、胸前、袖口等边缘成为了重点的装饰位置。纹样题材仍然是以植物花卉为主。当时有丝线绣、绒线绣、挑花绣等多种绣法。尤其是镂花绣，即用白线刺绣在质地精细的亚麻布上，并用线椿架桥方式构成大型楼花图案，花纹的中心镂空，绣衣显得讲究，精细，别具一
格。
文艺复兴时期的女性服饰装饰除了在面料上刺绣外，还喜爱编结盘花、镶缀各类晶 莹的宝石和珍珠。例如用金银制成小环扣于天鹅绒上，在衣服的边缘部位也镶上珠宝。 专门织制的花纹系带与高超技艺制作的适雕刺绣相得益彰，那些被精心绣制的透孔网眼 以及五彩斑澜的花纹系带，将服装的装饰性进一步推向高峰，这种工艺的制作和使用一 直沿用到 16 世纪以后。而伊丽莎白女王才是复杂装饰的典范，在她的数幅肖像画中， 无不铺满了光鲜的缎带、奢华的刺绣和闪耀的珠宝，尤其是珍珠的使用，可以说是女王 每件服饰必备之物，其服饰的奢华程度让人叹为观止。如图 6.6。贵重的毛皮也是贵族 女性服饰装饰的重要材料，如羔羊皮、松鼠皮、貂皮、狐狸皮、水獭皮等。穿着者也以 此作为富有的象征，来满足自己追求奢华的服装心理。在这一时期，仅巴黎就有 400 家 皮货商，可见毛皮在当时是非常盛行的。法国王后凯瑟琳·德·麦迪奇的服饰也相当奢 华，紧身胸衣用无数宝石镶成的十字形图案，大摆裙上镶满了排列整齐的宝石、珍珠， 在珍珠交汇的地方缠绕着蓝宝石，整个服装上的珠宝形成了网状结构，头巾上的珠宝与 衣裙交映生辉。袖子上也有贵重的毛皮作为装饰，显得十分眩耀华丽，美轮美奂。如图
6.7。在弗朗索瓦一世期间，服饰的奢侈程度使整个宫廷入不敷出，大量的奢侈品使法 国外贸出现空亏，1543 年，他下令禁止使用金银织物、饰带、刺绣品和天鹅绒等，违者罚款一千埃居，但他去世不久，新国王又放宽了禁令，来满足贵族门对奢侈品的追求。
文艺复兴时期还充分运用褶皱、切口和填充的手法来表现一种空间立体的装饰效
果，追求多层次的变化。她们通过增加用料的量来形成褶皱，从而追求视觉上的丰富感。 环状领就是褶皱的极致体现，它最初是用系带把衬衫衣边最大限度地朝脖子聚拢，形成 褶皱。随后，它从衣身中独立出来，呈现为车轮状，成为了重要的装饰元素。如图 6.8。 为了形成有型的连续褶皱，通常会将其进行上浆处理，用料也相当大，一个环状领要用 3 到 4 米的亚麻布，并且用大量的花边和雕绣来进行装饰。后来，环状领的材料由轻薄的纱罗织物取代。由于环状领过于宽大，看上去很不舒适，也不利于头部活动，有服装史学家认为，只需抬头时稍加注意，就不至于产生不适。因此穿着者必须抬头，同时也显现出高傲尊大的姿态。切口装饰是 16 世纪服装装饰手段的另一大创新。它是将外层的面料剪成一道道有秩序的切口，有平行的，交错的，也有切割成各种图案，并且露出不同质感、光泽、颜色的内衬，形成交相辉映，若隐若现的装饰效果。除了剪除切口、 露出衬衣外，还特意在切口处将内衣拉出，形成膨凸的效果。这种切口装饰源于 1477 年查理斯的一次战败经历，瑞士人战胜其部队后，剪破其部队的帐篷、旗帜及军服，用 这些来缝补自己服装的裂口，此后，切口装饰流行起来。它最初也只是用于肩部、胸部 和肘部，后来发展为全身使用，甚至是帽子和鞋子上都有。如图 6.9。为了追求自身体 型所不能达到的状态，弥补不完美的体形，在服装的内部大量使用填充物夸张服饰的形
态也在文艺复兴时期广泛使用。肩部、手臂是男女服饰着重装饰的部位，尤其是袖子经 过填充后呈现不同的造型，如图 6.10，有袖根肥大、至袖口逐渐变小的的羊腿袖；还有
袖山鼓起，上臂和前臂都非常合体的泡泡袖以及袖身间隔系上缎带形似藕节的藕节袖 等。男性还将这种填充方式运用到了胸部、腹部和外裤上，塑造了上身宽阔，下身挺拔 的健硕的男性形象。
浅谈人文主义思潮对服饰的影响
浅谈文艺复兴时期的主要服饰特点及在现代服装中的体现
文艺复兴时期的服饰面料
此时的服装业随着羊毛、丝织、呢绒、毛皮等行业的发展而更加兴盛起来。由于中世纪十字军东征的影响,海上新航道的开辟和新大陆的发现，使东方古国那些令人眼花缭乱的织锦、丝绸和印花棉布等高级面料也源源不断的输入欧洲，而意大利的威尼斯、佛罗伦萨、米兰、热那亚、路卡等城市也都开始有高度发达的织物工厂,大量生产天鹅绒、织锦缎以及织进金银线的织金锦等华贵面料，因此从这一时期开始服饰面料的奢华程度不断升级。
文艺复兴时期的服饰色彩
欧洲文艺复兴时期的妇女对于服饰的用色非常讲究。这时期的服饰色彩随着服饰奢华程度的提升，愈加的明亮，人们喜爱诸如黄兰红绿紫这种具有明亮光泽的色调，甚至会在织锦、天鹅绒面料中织进闪闪发光的金银线。
在文艺复兴初期，服饰色彩整体偏向浓郁色调，如深蓝色、红色、酒红色、金色和黑色，而此时深红色仅为皇族的专用色。到1550 年以后，女装上的色彩开始用于为镶满珠宝的华贵服装作修饰衬底，色彩主要为猩红色、黄色、橙色、丁香色、蔷薇色、翠绿色、浅粉、紫罗兰色、天蓝色等；如图所示伊丽莎白一世所穿着的镶嵌满珠宝的服装上就包括了这些色彩，但主要色调还是以白色和银色为主。
在温莎城堡里，挂着一幅 16 世纪当时还是公主的英国伊丽莎白女王的肖像画，画中的她穿着玫瑰色的长袍，花纹别致，袖子的外部从肩上自然地垂下，内部装饰着许多宝石，与白色的织物和金丝棉缎做成的裙子相互映衬②。如图 2.5。亨利八世的第四位妻子安尼的整体衣着就极有文艺复兴盛期女服的特色：金丝绒罗纱，领口周边镶着金丝和珠宝，鲜红耀眼的天鹅绒长外衣也绣着金边，腰间系有金扣饰腰带③。如图 2.6。由此我们不难发现，金色与红色、黑色与白色色彩是当时女性所喜爱的。在西班牙风格时代，服饰是威严、正统、沉稳的单色，尤其是黑色中充满了天主教的神秘色彩和禁欲主义。在黑色的面料上，用金银线和珍珠、宝石刺绣作为装饰，更加突显出西班牙权力的高贵和不可侵犯的特点。
文艺复兴时期的丰胸、细腰及垫臀
文艺复兴时期女装造型的最具特色就是通过服饰来改变身体的形态，使女性的胸、
腰、臀曲线更加优美。为了追求这种丰胸、细腰、丰臀的形体美，完成女性的理想形体 的造型，紧身胸衣和裙撑应运而生，它们的出现，构成了西方女服人为化的造型基础。。
1、 切口样式的服饰
此时，欧洲各国的男女都盛行穿戴有切口装饰的服装和鞋帽，尤其在德国，这种式样特别受欢迎。其做法是把外面一层衣服或面料切开（或剪成）一道道有规律的口子，或平行切割，或切成各种花样图案。这些连续不断的切口裂开，露出内衣或衬料，使两种不同质地、光感和色彩的面料交相辉映，互为补衬，并在活动不定侧切口处隐现，外观新奇而奢华，产生前所未有的装饰效果，这种切口样式的服饰在瑞士首创后流行于欧洲各国，人们争相在衣裙、裤子、外套甚至手套、鞋帽上大作切口装饰。
1520年——1535年是切口服饰盛行的年代。切口的形式变化很多，有的切口很长，如袖子和短裤上的切口，面料从上至下切成一条条的形状，而肥大饱满的内衣鼓胀出来，显得华侨炫目，有的切口很小，如在外衣或女裙上，常铺天盖地、秘密地排列着小小的切口。或斜排，或交错，组成有规律、有立体感的花纹图案，显得优雅华贵。富豪们还在切口两端镶嵌珠宝，更是灿灿生辉，奢华无比。在手套和鞋子的切痕一半都比较小，而帽子上的切痕有时较大，使帽顶一般般裂开像绽开的花朵。
2、 轮状皱领
这一时期被欧洲男女普遍采用否认领饰为轮状皱领即“拉夫”（Ruff）领，据说由法国首创。这种领子成环状套在波仔上，其波浪形折皱是一种呈“8”字形的连续褶裥。制作时用白色或染成黄、绿、蓝等浅色的细亚麻布或细棉布裁制并上浆，干后用圆锥形熨斗放置在领圈中做支架。据说，这种领子因褶裥做的大而多，所以很废料，需用宽23cm和长数米的面料。在褶裥的外沿有时制成齿状花边，更添华丽。宽大的领子卡住脖子，转动不便，贵族们在吃饭时还要使用特制的长柄勺。16世纪中叶以后，拉夫领在欧洲最为流行。
3、紧身胸衣
文艺复兴时期女性造型的主要特色就是通过服饰的穿着来改变身体的形态，使女性的胸、腰、臀曲线更加优美。而紧身胸衣是改变女性形体的主要工具，它包含了丰胸与细腰两个功能，其历史渊源可以追溯到中世纪的拜占庭，女性最初用系带勒紧衣服是满足其参加跳舞、骑马等运动的需求，这个时期是出于功能性的考虑。真正意义上的紧身胸衣形成于十六世纪，贵族女性在那时开始穿鲸须紧身衣，这时的紧身胸衣形式大过了功能，人们开始用硬制材料来塑造身体，使胸部突出、腰部紧细，使身体呈现沙漏型的状态。因而胸衣也有软硬之分，硬制的使用金属丝或者鲸须制成，先按女子体型做成四片框架，再用扣钩连接；而 软制的则使用布代替，用薄衬来加厚，同样在前后侧的主要部位嵌入鲸须加以定型，后开口用系带收紧。提及鲸须，无论在哪个年代都不是轻易得到的物品，如英国早在 1324年就颁布了有关法令，倘若在海滩发现鲸鱼的尸体，那么就归国王和王后所有。在文艺复兴时期穿着紧身胸衣的多为贵妇。一位伯爵夫人的肖像画中，夫人正在梳妆打扮，穿着随意，敞开的上衣里面穿着有系带的粉色内衣，坚硬的内衣显现出她的亭亭玉立。如图 4.6。服装历史学家内奥米·塔兰特曾经提出猜测：伯爵夫人在梳理头发时，没能将衣服穿好，很可能是因为她如果真的将上衣系好，她就无法梳头发了，可见外衣也有紧身收腰的功效。法国王后凯瑟琳·德·麦迪奇就是紧身胸衣的狂热者，她讨厌腰粗，有学者认为她是紧身胸衣的创始人。伊丽莎白一世也是紧身胸衣的推崇者，她就曾经在手艺人威廉·维特尔手中买了一件皮革紧身胸衣，几年后，手艺人威廉·詹姆斯又为其制作了一件带撑条的紧身衣，可闭合或可敞开，可带装饰或不带装饰，可内穿也可外穿。可见紧身胸衣花样之繁多。美国服装心理学家赫洛克写道：“希腊、罗马的妇女用麻布、羊毛或皮革做成紧身衣„„在英国伊丽莎白皇后及法国麦迪奇时代，终于成为一种最残醋的服装。那时，紧身衣用铁丝及木条做成，紧贴皮肉，
往往擦伤皮肤，造成令人不能相信的痛苦。不管她们的身材及体重，只要她们想进出宫殿的话。每位妇女必须保持 13 英寸的腰围„„昏晕、心脏病及早死只是少数紧腰的结果而已①”。在可见为了追求束腰之美，女性不惜违背人体固有的结构而紧箍着自己的身子。
4、裙撑
倘若说紧身胸衣是文艺复兴时期女性不可缺少的塑形工具，那文艺复兴时期的裙撑 又是与紧身胸衣完美搭配必备的另一种装置，它庞大的形制将女性上半身凸显地更加紧 瘦，上紧下松形成了鲜明的对比，也为女性添加了一份摇曳美，它与紧身胸衣配合在一起塑造出一批一批奇特而美妙的女性形象。它最早于 1468 年出现在西班牙宫廷中，随后流传到英国，以至于后来欧洲各国都开始使用这种装置，只是裙撑的宽度逐渐增加。1530 年，法国就出现了一种名叫垫圈的宽式衬箍①。裙撑是用藤条、棕榈或者鲸鱼骨编织而成，穿衣服时，先穿裙撑再套上华丽的裙子，使裙子的造型立刻庞大优雅起来。而法国人创造的垫圈式裙撑是用马尾织物制成的，他们将填充物塞于其中，用铁丝定型，最后呈现的是前面略低，裙子外罩于上，形成腰部平着向四周延伸。在此基础上，英国人又将其罩上了圆形的盖，外沿用金属丝或鲸须撑圆，内圈与其下的。垫圈式裙撑相连，外形特色与法式裙撑基本一样，只是向四周延伸的体积更加庞大。
如图 4.8。在巴塞罗那艺术博物馆中有一副由彼得罗·加尔什·波纳巴利绘制的裙撑画面，画面展现了裙撑的最高形状，由上到下逐渐增大，共有六只圆形裙撑，紧紧附在裙装上。
随着裙撑体积的增加，裙摆的宽度也自然需要增大，因而裙子的布料消耗也大大增加。于是政府颁布了相关法令，限制裙撑的使用，但这并不起作用，正如人们所言：“没有任何权威诏令能阻止流行时尚”。裙撑普及后，使用者的年龄范畴跨度也非常大，无论的女童或是成年女子都的着装中都能出现裙撑的影子。如图 4.9、4.10。最终裙撑的使用延续了将近四个世纪后直到19世纪末才逐渐被抛弃。
5、填充衬垫
大量使用填充衬垫是文艺复兴时期的又一重要特征。早在中世纪时期，男性上衣豪普兰德已采用了填充物，使衣服的肩胸鼓起，使男子的上身显得挺阔威武。到文艺复兴时期，则更重视和扩大了衬垫的使用。尤在男服的肩部、上臂部、胸部和短裤内，大量填充衬垫使之饱满形成四四方方的造型，有人称之为“方箱型”，特别夸张了男子形体的宽阔雄伟，强调了异常伟岸的大丈夫气概。男子在短裤一下扔穿着紧瘦长袜，双腿显得劲健挺拔。上下对比，构成上重下轻的男服格局，与此相应的是女子用衬垫填充或撑起臀腹部，使裙子在紧束的纤腰之下突然鼓胀起来，就像一口倒扣的大钟，细腰以上的头胸部就像钟把，构成了上亲下重的女服格局，并在柔美秀丽中见出气派，与男子形象互为辉映。
这两种男女服的总体格局，成为以后好几个世纪的固定形态。指导20世纪初，当女子穿上短裙和裤子后，这种格局才被打破。
有时，为了造型上的美观，过多的使用衬垫填充物，造成了衣服的僵硬、厚板，因而大大妨碍了人体的运动，使人彷佛置身在一个牢笼里。并造成了过于人工做作的僵化的人物形象的模式，个性被掩藏在服饰的框架及其华美繁缛的装束中，人们所赖以评价他人的首先是人的服饰形态而不是人的本质形态。这里暴漏出一个永远存在的问题，即服饰美和人体美之间是紧密相关的，又是存在矛盾的。一代又一代的服饰设计师就是在做着这样一件奇妙的工作：他们每个人都不过是在一个永远难以彻底解决的矛盾问题面前，尽量做出自己的努力，使服饰美和自然美的矛盾不断互相调整，彼此协调。
6、袖子的变化以及肩饰的出现
由于服装多用衬垫填充，肩和袖子都填的很厚，造成僵硬状态，使袖笼处无法严密缝接，需用巧妙办法加以连接，如用系带、金属链扣或宽条的镶嵌带等将袖子固定在肩窝处，或用针线粗略缝拢。这样，就使袖子可以随时拆卸，因此，肩袖子的接缝处比较粗糙明显，为了加以遮掩，就出现了肩饰，即在衣身的袖窝处另上一个三角形袖片，肩部正中地方较高耸，正好把袖笼接缝处遮盖起来。从外表看，仅仅使肩部多了一个装饰而已，它还到了垫肩的作用，使肩部扩宽并高耸，显得很有气派。
由于袖子可以随意拆卸，也就可以随意更换。对于洗好时髦的男女来说，同一件衣身可以根据需要随时更换不同面料、色泽和不同造型的袖子，使一件衣服变化多端。据记载，当时人在送礼时，出现了多种新奇夸张的样式，有所谓的“羊腿袖”“灯笼袖”、“糖葫芦型”和主教袖型（即中世纪主教服上的大型长袖灯笼袖式样）等等。另外，有的还附加了各种不同的垂袖。
通过此时服饰的各种特点，我们可以看出：当时的设计师无论是在服装的图案装饰上还是在服装的整体与局部造型，都表现出一种富有立体感的构思。他们是把服装及装饰作为一种立体造型艺术加以设计，而不是仅将其当作平面来设计，因此必然扩大了设计师的想象力。他们为服装的整体和局部塑形（如填充衬垫的澎体连衣裙、肩饰和各种袖子造型以及轮状皱领），同时，为服装的装饰找到一种立体的表现法（如切痕装饰）。当然，正因为在服饰美的设计上走的更远，它和人体本身的自然美的矛盾就加深了，人体被装进一个人工制造的“美的”框架中不能自拔，不仅失去其自由表现的机会，并使自然的躯体本身受到了框架的束缚，
文艺复兴时期女服装饰手法
据外国印染史料记载，公元前 1400 年左右印度已用木板印染方法来制作纺织品。他们喜欢使用蓝、绿、青和茜色，纹样多为花草题材，表现出东方特色的装饰形式。后来大量印花布传入欧洲。而在欧洲，13 世纪前关于印染织物的记载较少，到 13 世纪后，的织造印染业得到了大力发展。早期的印染面料多为红色、绿色和蓝色为地，再加印金银纹样，主要采用的方法也是为木板印染。欧洲各国也非常喜爱用刺绣技法来装饰女性服饰，大约在中世纪时期，刺绣的方法从东方传入欧洲。开始是用于法衣、帷幔和丝绸长袍上，而丝绸的刺绣服饰仅供上层社会女性穿着。当刺绣技艺逐渐流传乡村后，受到女性喜爱，刺绣技术也得到了发展。之后的文艺复兴时期，女性们的衣裙、胸衣、袖子等都有精美的刺绣装饰，而衣服的门襟、胸前、袖口等边缘成为了重点的装饰位置。纹样题材仍然是以植物花卉为主。当时有丝线绣、绒线绣、挑花绣等多种绣法。尤其是镂花绣，即用白线刺绣在质地精细的亚麻布上，并用线椿架桥方式构成大型楼花图案，花纹的中心镂空，绣衣显得讲究，精细，别具一
格。
文艺复兴时期的女性服饰装饰除了在面料上刺绣外，还喜爱编结盘花、镶缀各类晶 莹的宝石和珍珠。例如用金银制成小环扣于天鹅绒上，在衣服的边缘部位也镶上珠宝。 专门织制的花纹系带与高超技艺制作的适雕刺绣相得益彰，那些被精心绣制的透孔网眼 以及五彩斑澜的花纹系带，将服装的装饰性进一步推向高峰，这种工艺的制作和使用一 直沿用到 16 世纪以后。而伊丽莎白女王才是复杂装饰的典范，在她的数幅肖像画中， 无不铺满了光鲜的缎带、奢华的刺绣和闪耀的珠宝，尤其是珍珠的使用，可以说是女王 每件服饰必备之物，其服饰的奢华程度让人叹为观止。如图 6.6。贵重的毛皮也是贵族 女性服饰装饰的重要材料，如羔羊皮、松鼠皮、貂皮、狐狸皮、水獭皮等。穿着者也以 此作为富有的象征，来满足自己追求奢华的服装心理。在这一时期，仅巴黎就有 400 家 皮货商，可见毛皮在当时是非常盛行的。法国王后凯瑟琳·德·麦迪奇的服饰也相当奢 华，紧身胸衣用无数宝石镶成的十字形图案，大摆裙上镶满了排列整齐的宝石、珍珠， 在珍珠交汇的地方缠绕着蓝宝石，整个服装上的珠宝形成了网状结构，头巾上的珠宝与 衣裙交映生辉。袖子上也有贵重的毛皮作为装饰，显得十分眩耀华丽，美轮美奂。如图
6.7。在弗朗索瓦一世期间，服饰的奢侈程度使整个宫廷入不敷出，大量的奢侈品使法 国外贸出现空亏，1543 年，他下令禁止使用金银织物、饰带、刺绣品和天鹅绒等，违者罚款一千埃居，但他去世不久，新国王又放宽了禁令，来满足贵族门对奢侈品的追求。
文艺复兴时期还充分运用褶皱、切口和填充的手法来表现一种空间立体的装饰效
果，追求多层次的变化。她们通过增加用料的量来形成褶皱，从而追求视觉上的丰富感。 环状领就是褶皱的极致体现，它最初是用系带把衬衫衣边最大限度地朝脖子聚拢，形成 褶皱。随后，它从衣身中独立出来，呈现为车轮状，成为了重要的装饰元素。如图 6.8。 为了形成有型的连续褶皱，通常会将其进行上浆处理，用料也相当大，一个环状领要用 3 到 4 米的亚麻布，并且用大量的花边和雕绣来进行装饰。后来，环状领的材料由轻薄的纱罗织物取代。由于环状领过于宽大，看上去很不舒适，也不利于头部活动，有服装史学家认为，只需抬头时稍加注意，就不至于产生不适。因此穿着者必须抬头，同时也显现出高傲尊大的姿态。切口装饰是 16 世纪服装装饰手段的另一大创新。它是将外层的面料剪成一道道有秩序的切口，有平行的，交错的，也有切割成各种图案，并且露出不同质感、光泽、颜色的内衬，形成交相辉映，若隐若现的装饰效果。除了剪除切口、 露出衬衣外，还特意在切口处将内衣拉出，形成膨凸的效果。这种切口装饰源于 1477 年查理斯的一次战败经历，瑞士人战胜其部队后，剪破其部队的帐篷、旗帜及军服，用 这些来缝补自己服装的裂口，此后，切口装饰流行起来。它最初也只是用于肩部、胸部 和肘部，后来发展为全身使用，甚至是帽子和鞋子上都有。如图 6.9。为了追求自身体 型所不能达到的状态，弥补不完美的体形，在服装的内部大量使用填充物夸张服饰的形
态也在文艺复兴时期广泛使用。肩部、手臂是男女服饰着重装饰的部位，尤其是袖子经 过填充后呈现不同的造型，如图 6.10，有袖根肥大、至袖口逐渐变小的的羊腿袖；还有
袖山鼓起，上臂和前臂都非常合体的泡泡袖以及袖身间隔系上缎带形似藕节的藕节袖 等。男性还将这种填充方式运用到了胸部、腹部和外裤上，塑造了上身宽阔，下身挺拔 的健硕的男性形象。