摘要：所谓情感因素技巧化，就是将演奏者的主观情感融入到技术表现中。其最大的特点，是用熟练到位的技术手法，以及处理得当的钢琴语言，来传情达意，表现出作品内在的含义。这在钢琴演奏中，以及钢琴教学中都是很重要的命题。通过情感因素技巧化的方法来解决钢琴演奏中的某些技术问题，运用这一手法，完整地诠释钢琴作品所内涵的情感。 关键词:音乐艺术；表演艺术；钢琴；情感；技巧；表演；文化特征 中图分类号：J6241文献标识码：A Skill of Emotional Factors in Piano Performance YANG Xian-zhong 钢琴被誉为乐器之王，它动人的音色和演奏时丰富多变的技巧，让人们沉醉其中。日本音乐美学家渡边�o，曾在其书中写道：“优美音乐的产生是人们内心情感的昭示” ①，可想而知，优美的钢琴音乐也必然能反映人们的精神面貌，表达人们内心的情感。 众所周知，钢琴音乐的学习相对于其他种类的乐器，它的阶段性更为明显。就我国目前高校中所采纳的西洋钢琴音乐教学体系而言，基本上都是从“拜厄”、“哈农”开始，再到车尔尼钢琴练习曲系列，以及，配套的“斯卡拉蒂奏鸣曲”、“巴赫钢琴平均律作品”等系列作品，都已经形成了一定的教学模式。钢琴是西洋乐器，运用西方早已成熟的钢琴教学体系是非常正确的做法。但是，艺术并不是固化的东西，创新和个性才最为重要。一方面，想要完美诠释钢琴作品内涵的情感，需要技术的强大支持。因此，学好这门乐器，必须经过长期的、不间断的学习与训练。有人强调情感重要性的同时，有时会忽略技术所起到的决定性的作用。因为我们知道一个完全不会弹琴的人，即使他是一个很富有情感的人，也不可能把钢琴这件乐器运用好。因此，情感与技术的结合才是解决之道。那么，怎样才能做到情感与技术的结合呢？笔者经过长期的钢琴教学经验得出，想要结合钢琴演奏中的情感与技术，其最重要的一个方法就是将情感因素技巧化。 一、情感因素技巧化的培养 音乐情感因素的技巧化，其实，就是将演奏者的主观情感融入到技术的表现之中。其最大的特点，即用熟练到位的技术手法，以及处理得当的钢琴语言来传情达意，表现作品的内在含义。对于每一个学音乐的人来说，想要使情感技巧化，首先要做的，就是对个人基本素质的培养。所谓的个人基本素质，不仅仅单指演奏者演奏钢琴的技术水平，而是一种综合的素质，主要指的是演奏者个人在音乐理论、技术、思想等方面的素质，这些素质的高低都直接制约了演奏者对作品的把握和处理能力。我们知道，在音乐的学习中，包含了乐理、和声、曲式、作曲法、配器法等等诸多方面，对于演奏者来说，如果缺乏这些基本技能，那么演奏出来的音乐可能会存在诸多问题。例如，演奏者缺乏对乐谱的分析和识别能力，当他在演奏这些曲目时就有可能出现节奏、旋律上的偏差，表情术语的误读，以及轻重音的混乱，这必定会使作品被演绎的面目全非，即使钢琴技术再优异也无法弥补这些致命的弱点。与此同时，在对待音乐艺术以外的其他各种艺术形式和艺术现象的时候，我们也要有正确积极的态度。对于很多学习音乐的学生，特别是器乐的学生来说，他们对这些艺术形式是不太关心的，有甚者对与音乐有关的一些技术理论和历史知识都很排斥，认为这些东西跟自己的专业不沾边，对自己的演奏也没有什么帮助。其实，这样的想法是片面的，我们之所以要更多地了解例如文学、诗歌、绘画等诸多其他门类的艺术，其根本目的是有利于我们自身文化修养的提高和艺术审美的升华，这对于一个演奏者来说是很有必要的。我们知道，无论是西方古典时期的钢琴作品或是中国近现代的钢琴作品，它们的产生，基本上都来源于人们的日常生活，有的作品是作曲家生命的感悟，有的是作曲家情感的宣泄，当然，也包括很多纯音乐的作品。艺术家们创造出了这些美妙动听的音乐，如果演奏者本身文化艺术修养较低，达不到与作曲家相同的境界，可能对作品的理解会有很大的出入，也就更不可能用艺术的心去感悟音乐，去展现技巧了。 情感因素技巧化的培养，当然离不开对钢琴演奏技能的训练，这些训练主要体现在演奏者所演奏的曲目上，我们在挑选钢琴音乐作品的时候，不一定要选择难度技巧极高的，但一定要选择一些风格、水平和层次多样的曲目，演奏者要熟悉更多不同时代以及不同内涵的作品，迅速抓住作品想要传达的思想，再用熟练的技巧去弹奏出动人的情感。有了这些不同种类曲目的积淀，会让演奏者拥有更完美把握作品的能力。在这里，笔者就中国的钢琴音乐作品举个例。我们知道，中国钢琴音乐作品中所包含的创作思维、演奏方式、曲目内容和西方的古典钢琴音乐是大相径庭的，中国近现代的钢琴音乐大多属于具有标题性质的钢琴标题音乐,很多这些所谓的标题音乐作品，无论是在作品的题目与名称，或是作品内容，音乐形象的塑造等方面都具有很深刻的含义。譬如，据同名声乐曲改编的钢琴曲《嘉陵江上》,就是一首典型的标题音乐作品，如果不了解作品的写作背景和写作年代的话，可能，在脑海中想到的仅仅是嘉陵江滔滔江水一泻千里的磅礴景象。全曲似乎是在描绘一幅祖国壮丽的山河美景，其实不然，作品并非仅仅描绘嘉陵江的自然胜景,而是借物写事，通过对这一美好河山景象的展示,来表达出强烈的哀伤、悲凉和愤怒的情绪,这也正是当时曲作者看到大好河山被异族侵略时所表露的痛苦心情，让我们了解到当时中华民族的人民正生活在水深火热之中。作曲家用这种借景抒情，寓情于景的手法更深化了主题，虽然作品的标题与音乐内容之间的内在联系不能简单而直观地理解,但当我们都了解了作品的背景和意象所表示的含义时，我们就能跟随音符的流动去感受这种类型的钢琴音乐作品所表现的情境和乐思，为理解钢琴音乐作品的思想内涵提供了启示，也为演奏者完美的演绎这些曲目提供了极大的帮助。 波兰著名音乐学家卓娅菲•丽莎说过“表演的本质就是将无声的艺术作品，乐谱文本进行音响化的实现，是赋予音乐作品更加鲜活的生命力”。 ②因此，演奏者要能透过乐谱及作曲家所处的年代与环境去分析和体会音乐作品中的意趣。作为进行二度创作的演奏者，我们一定要具备一种对钢琴作品以及手法技巧不断思考的精神。笔者认为，音乐其实是“不可教的”，真正的大师不一定毕业于某个著名的音乐学府，也不一定师从哪位名家，但他们都有一个共同的特点，那就是他们都善于用心灵去聆听音乐，用身体去摸索音乐，用精神去感悟音乐。这就证明了，浪漫主义时期的钢琴音乐大师贝多芬，为什么能在双耳失聪之后依然创作出那么多惊世的优秀作品。钢琴演奏者们要像富有探险精神的冒险家一样，善于发现，善于观察，善于思索，在此基础上兼收并蓄，博采众家之长，最终用完美纯粹的技术语言去诠释钢琴作品的情感。 二、熟练技巧的运用才能产生情感 音乐是听觉艺术，有很强的不确定性。它不像绘画、文学等艺术形式来的直观可见。对于演奏者来说，想要准确无误的诠释作品的精神其实是很困难的。不过，也正是因为这种不确定性，又给音乐艺术带来了某种神秘色彩，和更广阔的想象空间。演奏者必须掌握纯熟的技巧才能精确的演奏这些乐曲。如科萨科夫的《野蜂飞舞》，贯穿全曲的半音阶快速滚动是本曲最大的特点，它让听者很容易的就想象出了漫天飞舞的野蜂，在广阔无垠的土地上或者田间欢快的舞动，表现了大自然无限的生命力，也给我们展示了一个积极向上的作曲家形象。但这样所有美感和想象的产生都来自于演奏者的双手，如果演奏者的技术不过硬，将速度最低不能低于160的这首曲子演奏的只有80的速度，那么我们听到的可能将是C大调行板的曲子，如同钢琴换指练习曲一样，也就不可能让听者产生野蜂漫天飞舞之感。仅仅是速度的改变就产生了如此大的情感转变，可见技术在演奏中的重要性。演奏者想要弹好这些快板或急板的曲子，需要解决的问题就是手指的速度，想要让手指跑的快，就必须加大力度练习手指与手指之间的独立性，多拿一些速度较快的曲子进行练习，用“高抬指，低落下”的方法去弹奏，所谓“高抬指”就是一指落下的时候其他手指都高高的抬起，而“低落下”的意思则是让弹下去的每一根手指都完满地落在琴键上，不要虚，不能飘。让每一个音符在音乐的进程中都能清晰可辨，如珍珠落地般灵动。经过长时间的训练，当演奏者掌握了这一系列的演奏技巧，那么每当演奏这些类似的曲目时都会游刃有余。 又如肖邦写于1832年的《c小调练习曲》，也就是肖邦早期十分有名的《革命练习曲》，这首钢琴曲用属九和弦开始，继而用一连串的下行音阶模拟低沉汹涌的暗流之声，时而又在一小节下行音阶结束的末尾出现几个高音和弦，这两种一高一低的呼应构成了一股波澜壮阔，震撼人心的情感洪流。整首乐曲持续这种技术手段，直到末尾的时候放慢了音符的速度，低沉缓慢的进行，情感似乎变的有些松弛了，但很快，在最后肖邦又用两小节刚毅、坚定的九和弦结束了全曲。 如果听者对肖邦创作这首钢琴曲时所处时期，也就是对法国大革命失败这一特定历史时期很熟悉，那么就必定能听出作曲家那永不停息的战斗精神，而这一切的产生也离不开演奏者的高超技术，首先，演奏者要了解作品的背景，再然后要用熟练的技巧去演奏它。对于一般的演奏者来说，想要完整的弹下这首曲子并不难，因为它并没有极为复杂的节奏型，也没有十分花哨的炫技手法，但在这首钢琴曲中，想要有下行音阶颗粒感十足的演奏和对高低音轻重缓急的到位处理，以及把握不同乐段作曲家想表达的情感，这都是很困难的。
摘要：所谓情感因素技巧化，就是将演奏者的主观情感融入到技术表现中。其最大的特点，是用熟练到位的技术手法，以及处理得当的钢琴语言，来传情达意，表现出作品内在的含义。这在钢琴演奏中，以及钢琴教学中都是很重要的命题。通过情感因素技巧化的方法来解决钢琴演奏中的某些技术问题，运用这一手法，完整地诠释钢琴作品所内涵的情感。 关键词:音乐艺术；表演艺术；钢琴；情感；技巧；表演；文化特征 中图分类号：J6241文献标识码：A Skill of Emotional Factors in Piano Performance YANG Xian-zhong 钢琴被誉为乐器之王，它动人的音色和演奏时丰富多变的技巧，让人们沉醉其中。日本音乐美学家渡边�o，曾在其书中写道：“优美音乐的产生是人们内心情感的昭示” ①，可想而知，优美的钢琴音乐也必然能反映人们的精神面貌，表达人们内心的情感。 众所周知，钢琴音乐的学习相对于其他种类的乐器，它的阶段性更为明显。就我国目前高校中所采纳的西洋钢琴音乐教学体系而言，基本上都是从“拜厄”、“哈农”开始，再到车尔尼钢琴练习曲系列，以及，配套的“斯卡拉蒂奏鸣曲”、“巴赫钢琴平均律作品”等系列作品，都已经形成了一定的教学模式。钢琴是西洋乐器，运用西方早已成熟的钢琴教学体系是非常正确的做法。但是，艺术并不是固化的东西，创新和个性才最为重要。一方面，想要完美诠释钢琴作品内涵的情感，需要技术的强大支持。因此，学好这门乐器，必须经过长期的、不间断的学习与训练。有人强调情感重要性的同时，有时会忽略技术所起到的决定性的作用。因为我们知道一个完全不会弹琴的人，即使他是一个很富有情感的人，也不可能把钢琴这件乐器运用好。因此，情感与技术的结合才是解决之道。那么，怎样才能做到情感与技术的结合呢？笔者经过长期的钢琴教学经验得出，想要结合钢琴演奏中的情感与技术，其最重要的一个方法就是将情感因素技巧化。 一、情感因素技巧化的培养 音乐情感因素的技巧化，其实，就是将演奏者的主观情感融入到技术的表现之中。其最大的特点，即用熟练到位的技术手法，以及处理得当的钢琴语言来传情达意，表现作品的内在含义。对于每一个学音乐的人来说，想要使情感技巧化，首先要做的，就是对个人基本素质的培养。所谓的个人基本素质，不仅仅单指演奏者演奏钢琴的技术水平，而是一种综合的素质，主要指的是演奏者个人在音乐理论、技术、思想等方面的素质，这些素质的高低都直接制约了演奏者对作品的把握和处理能力。我们知道，在音乐的学习中，包含了乐理、和声、曲式、作曲法、配器法等等诸多方面，对于演奏者来说，如果缺乏这些基本技能，那么演奏出来的音乐可能会存在诸多问题。例如，演奏者缺乏对乐谱的分析和识别能力，当他在演奏这些曲目时就有可能出现节奏、旋律上的偏差，表情术语的误读，以及轻重音的混乱，这必定会使作品被演绎的面目全非，即使钢琴技术再优异也无法弥补这些致命的弱点。与此同时，在对待音乐艺术以外的其他各种艺术形式和艺术现象的时候，我们也要有正确积极的态度。对于很多学习音乐的学生，特别是器乐的学生来说，他们对这些艺术形式是不太关心的，有甚者对与音乐有关的一些技术理论和历史知识都很排斥，认为这些东西跟自己的专业不沾边，对自己的演奏也没有什么帮助。其实，这样的想法是片面的，我们之所以要更多地了解例如文学、诗歌、绘画等诸多其他门类的艺术，其根本目的是有利于我们自身文化修养的提高和艺术审美的升华，这对于一个演奏者来说是很有必要的。我们知道，无论是西方古典时期的钢琴作品或是中国近现代的钢琴作品，它们的产生，基本上都来源于人们的日常生活，有的作品是作曲家生命的感悟，有的是作曲家情感的宣泄，当然，也包括很多纯音乐的作品。艺术家们创造出了这些美妙动听的音乐，如果演奏者本身文化艺术修养较低，达不到与作曲家相同的境界，可能对作品的理解会有很大的出入，也就更不可能用艺术的心去感悟音乐，去展现技巧了。 情感因素技巧化的培养，当然离不开对钢琴演奏技能的训练，这些训练主要体现在演奏者所演奏的曲目上，我们在挑选钢琴音乐作品的时候，不一定要选择难度技巧极高的，但一定要选择一些风格、水平和层次多样的曲目，演奏者要熟悉更多不同时代以及不同内涵的作品，迅速抓住作品想要传达的思想，再用熟练的技巧去弹奏出动人的情感。有了这些不同种类曲目的积淀，会让演奏者拥有更完美把握作品的能力。在这里，笔者就中国的钢琴音乐作品举个例。我们知道，中国钢琴音乐作品中所包含的创作思维、演奏方式、曲目内容和西方的古典钢琴音乐是大相径庭的，中国近现代的钢琴音乐大多属于具有标题性质的钢琴标题音乐,很多这些所谓的标题音乐作品，无论是在作品的题目与名称，或是作品内容，音乐形象的塑造等方面都具有很深刻的含义。譬如，据同名声乐曲改编的钢琴曲《嘉陵江上》,就是一首典型的标题音乐作品，如果不了解作品的写作背景和写作年代的话，可能，在脑海中想到的仅仅是嘉陵江滔滔江水一泻千里的磅礴景象。全曲似乎是在描绘一幅祖国壮丽的山河美景，其实不然，作品并非仅仅描绘嘉陵江的自然胜景,而是借物写事，通过对这一美好河山景象的展示,来表达出强烈的哀伤、悲凉和愤怒的情绪,这也正是当时曲作者看到大好河山被异族侵略时所表露的痛苦心情，让我们了解到当时中华民族的人民正生活在水深火热之中。作曲家用这种借景抒情，寓情于景的手法更深化了主题，虽然作品的标题与音乐内容之间的内在联系不能简单而直观地理解,但当我们都了解了作品的背景和意象所表示的含义时，我们就能跟随音符的流动去感受这种类型的钢琴音乐作品所表现的情境和乐思，为理解钢琴音乐作品的思想内涵提供了启示，也为演奏者完美的演绎这些曲目提供了极大的帮助。 波兰著名音乐学家卓娅菲•丽莎说过“表演的本质就是将无声的艺术作品，乐谱文本进行音响化的实现，是赋予音乐作品更加鲜活的生命力”。 ②因此，演奏者要能透过乐谱及作曲家所处的年代与环境去分析和体会音乐作品中的意趣。作为进行二度创作的演奏者，我们一定要具备一种对钢琴作品以及手法技巧不断思考的精神。笔者认为，音乐其实是“不可教的”，真正的大师不一定毕业于某个著名的音乐学府，也不一定师从哪位名家，但他们都有一个共同的特点，那就是他们都善于用心灵去聆听音乐，用身体去摸索音乐，用精神去感悟音乐。这就证明了，浪漫主义时期的钢琴音乐大师贝多芬，为什么能在双耳失聪之后依然创作出那么多惊世的优秀作品。钢琴演奏者们要像富有探险精神的冒险家一样，善于发现，善于观察，善于思索，在此基础上兼收并蓄，博采众家之长，最终用完美纯粹的技术语言去诠释钢琴作品的情感。 二、熟练技巧的运用才能产生情感 音乐是听觉艺术，有很强的不确定性。它不像绘画、文学等艺术形式来的直观可见。对于演奏者来说，想要准确无误的诠释作品的精神其实是很困难的。不过，也正是因为这种不确定性，又给音乐艺术带来了某种神秘色彩，和更广阔的想象空间。演奏者必须掌握纯熟的技巧才能精确的演奏这些乐曲。如科萨科夫的《野蜂飞舞》，贯穿全曲的半音阶快速滚动是本曲最大的特点，它让听者很容易的就想象出了漫天飞舞的野蜂，在广阔无垠的土地上或者田间欢快的舞动，表现了大自然无限的生命力，也给我们展示了一个积极向上的作曲家形象。但这样所有美感和想象的产生都来自于演奏者的双手，如果演奏者的技术不过硬，将速度最低不能低于160的这首曲子演奏的只有80的速度，那么我们听到的可能将是C大调行板的曲子，如同钢琴换指练习曲一样，也就不可能让听者产生野蜂漫天飞舞之感。仅仅是速度的改变就产生了如此大的情感转变，可见技术在演奏中的重要性。演奏者想要弹好这些快板或急板的曲子，需要解决的问题就是手指的速度，想要让手指跑的快，就必须加大力度练习手指与手指之间的独立性，多拿一些速度较快的曲子进行练习，用“高抬指，低落下”的方法去弹奏，所谓“高抬指”就是一指落下的时候其他手指都高高的抬起，而“低落下”的意思则是让弹下去的每一根手指都完满地落在琴键上，不要虚，不能飘。让每一个音符在音乐的进程中都能清晰可辨，如珍珠落地般灵动。经过长时间的训练，当演奏者掌握了这一系列的演奏技巧，那么每当演奏这些类似的曲目时都会游刃有余。 又如肖邦写于1832年的《c小调练习曲》，也就是肖邦早期十分有名的《革命练习曲》，这首钢琴曲用属九和弦开始，继而用一连串的下行音阶模拟低沉汹涌的暗流之声，时而又在一小节下行音阶结束的末尾出现几个高音和弦，这两种一高一低的呼应构成了一股波澜壮阔，震撼人心的情感洪流。整首乐曲持续这种技术手段，直到末尾的时候放慢了音符的速度，低沉缓慢的进行，情感似乎变的有些松弛了，但很快，在最后肖邦又用两小节刚毅、坚定的九和弦结束了全曲。 如果听者对肖邦创作这首钢琴曲时所处时期，也就是对法国大革命失败这一特定历史时期很熟悉，那么就必定能听出作曲家那永不停息的战斗精神，而这一切的产生也离不开演奏者的高超技术，首先，演奏者要了解作品的背景，再然后要用熟练的技巧去演奏它。对于一般的演奏者来说，想要完整的弹下这首曲子并不难，因为它并没有极为复杂的节奏型，也没有十分花哨的炫技手法，但在这首钢琴曲中，想要有下行音阶颗粒感十足的演奏和对高低音轻重缓急的到位处理，以及把握不同乐段作曲家想表达的情感，这都是很困难的。