最后一分钟营救”的内涵及其剪接方式是怎样的？
指通过平行式蒙太奇达到营造追逐和救援的紧张气氛。
所谓平行蒙太奇指的是，在影片结构上着重在两条或几条线索的平行发展，通过各组镜头分别交待两条或几条平行线索的手法。犹如古典小中的“话分两头”的表现手法。
1916年，格里菲斯在影片《党同伐异》中的一场戏，成熟地运用了平行蒙太奇手法，到得了惊人的效果。影片中有这样两组镜头：
一组镜头表现的是参加罢工的工人被工厂主押往刑场处以绞刑的过程；
另一组镜头表现的是工人妻子为了营救丈夫，驾车追赶州长乘坐火车，请求州长签署赦令的过程。
两组镜头交替出现，节奏加快，正当绞索套在工人脖子上即将行刑的千钧一发之际，工人的妻子拿着州长签属的赦免令飞车赶到，工人得救了。“搭救蒙难者于千钧一发之际”。这就是后来被电影史学界誉为“格里菲斯的最后一分钟营救”法。以后的惊险片中便广泛应用了这种平行蒙太奇的手法。国产片《铁道游击队》中，刘洪飞马救芳林嫂的那场戏，也是采用格里菲斯最后一分钟营救法。
平行蒙太奇既可以表现两个不同空间的两条或几条线索的发展，表现多个空间的多条线索的发展，也可以表现在同一空间的两条或多条线索的发展。
什么是蒙太奇？蒙太奇（montage）源自法语，原义为建筑学上的构成、装配之意，借用到电影中，有组接、构成之意。
在电影创作中，根据主题的需要，情节的发展，观众的注意力和关心程度，将全片所要表现的内容分解为不同的段落、场面、镜头，分别进行处理和拍摄。然后再根据原定的创作构思，运用艺术技巧将这些镜头、场面、段落合乎逻辑地，富于节奏地重新组合，使之通过形象间的相辅相成和相反相成关系交互作用，产生连贯、对比、呼应、联想、悬念等效果，构成一个连续不间断的有机艺术整体——一部完整反映生活，表达思想，条理贯通，生动感人的影片。
蒙太奇是电影语言最基本的构成单位。
蒙太奇的含义就是把一部影片的各种镜头按某种顺序、某种需要连接起来，即剪辑。
蒙太奇技术伴随电影艺术的发展而演进，苏联电影学派时期形成蒙太奇理论。
蒙太奇：将片断镜头加以组合，并与声音配合，创造出特殊电影时空的结构方式。
长镜头：指对一个运动画面较长时间的连续不间断地表现，保持运动着画面的整体性。这是法国电影理论家巴赞反对蒙太奇造成的虚假而提出的一种电影美学理论。强调电影的照相本体属性，强调生活的真实性。
电影评论的作用
1. 影评是一种科学的活动，是
电影艺术与观众的桥梁，是实现电影三重价值（艺术的、社会的、经济的）的重要手段。国外影评主要作用于票房价值，中国影评侧重于社会性，形成中国特有的、最广泛的群众影评浪潮，形成中国文艺评论独特景观。
2. 影评本身是一门艺术，有利于提高人的审美能力、思辩能力、写作能力。从写作学的要求看，影评写作需要信息处理能力，也是记叙、描写、议论、抒情能力的综合运用。许多人从影评起家，走上专业文化工作道路。国外文科大学一般都有电影课程。
什么是类型电影
类型电影是指按照不同的类型（或样式）的规定要求制作出来的影片。
不同的类型以及各个类型的规定要求，则是好莱坞的制片人们根据对观众接受心理和消费习惯的分析和研究而确定下来的。
类型电影是好莱坞大制片厂制度的产物，观众需求和商业票房是他的创作依据。
类型电影作为一种拍片方法，实质上是一种艺术产品标准化的生产的规范。
类型电影主要有三个基本特征：
1.公式化的情节：类型片都有其相对固定的叙事模式，不同类型影片也有其特定的情节安排。如：西部片里的双枪决斗、英雄救美、强盗片里的抢劫成功但难逃法网，科幻片里的怪物出世、为害一时，歌舞片里的小人物变大明星等等。
2.定型化的人物：固定的叙事模式必然要求与其相符的人物形象，类型片中人物作为该类型在视觉和内容上的标识，其外貌和性格都是经过定型设计的。如除暴安良的西部牛仔或象征正义的警长，刁蛮任性的富家千金、精神变态的科学家、能歌善舞的贫家姑娘等等。
3.图解式的视觉形象 ：视觉形象是类型影片的重要特征，一些特定的场景在特定类型影片中具有特殊的表意功能和象征意义。如：象征邪恶的幽暗森林、预杀凶险的宫堡或塔楼、孕育灾害的实验室里冒泡的液体等等。
当然，这些基本的特征并非一成不变。不同的导演有自己独特的风格元素，类型的创作规范也会随着社会文化的变迁和观众兴趣的转移而不断改变。在常规模式式中时常加入新的元素和噱头，传统类型中也会衍生出新的类型，不同类裂还会互相借鉴，从而形成复合类型。例如凯文?科斯特纳的《与狼共舞》就是对原有西部片的突破。
喜剧片是以产生笑的效果为特征，通过幽默的语言、夸张的动作和荒诞的情节来激发观众的快乐情绪的电影作品。喜剧电影被认为是最古老的电影类型，从电影诞生之日起便出现了。
恐怖片是专门以离奇怪诞的情节、阴森恐怖的场景和音响效果吸引观众的好奇心，引发观众内心恐惧感的故事片。
恐怖片中通常将环境设置在古老
阴森的城堡或危险怪异的实验室等地，片中的主角大多是一些吸血鬼、恶魔、怪物和僵尸。这些妖魔鬼怪往往危害一时，引起极度恐慌，但最终都会被正义的力量打败，世界重新恢复平静
经典好莱坞的衰弱原因主要有以下几个方面:（一）好莱坞十人案:以“好莱坞十人案”为标志的这次反动运动，严重地损伤了美国电影人和观众对电影的热情，在一定程度上造成了经典好莱坞的衰落。（二）派拉蒙判决
1948年，美国司法部根据新修改的反垄断法判决派拉蒙公司在行业内构成垄断，下令要求派拉蒙公司中止对影院放映网的经营，并宣布这一判决对其他兼营放映的大制片公司同样有效。这一判决就是著名的“派拉蒙”裁决。由于“派拉蒙”裁决改变了制片商与放映商之间的交易关系，制片业的衰落 是不可避免的。（三）电视的冲击：二战后，美国摆脱了经济危机的困扰，迎来了一个新的经济繁荣期。随着收入的提高和休闲时间的增多，美国人的娱乐方式更加多样，电影不再是占主导的娱乐形式。同时，美国兴起了郊区迁移热，许多美国家庭从城市搬到了郊区居住，远离了城市中心的电影院。郊区迁移热以及战后“婴儿潮”的出现，使得人们更热衷于家庭式的休闲娱乐，而电视提供的是一种可以随时获取的家庭娱乐，他的出现正好填补了美国人空余的休闲时间，并且有助于加强郊区的家庭观念。
新好莱坞电影运动的构成：新好莱坞导演群的人员构成较为复杂，大致而言，有三个层面；其一，是一些已在艺术电影创作中树立了名望的欧洲“移民导演”；其二，是来自本土电视、戏剧界和独立制片领域的导演；其三，是更为年轻、数量庞大的一批导演，他们大多出自美国高等院校的电影专业和“B级片”阵营
数字影像的意义：
就电影制作（创作）而言，制作手段始终是为实现创意达成银幕效果服务的工具，但强大的工具性对创作的“反制作用”，同样会带来从艺术观念（思想）到艺术技巧的擅变。
数字影像造型与传统摄影（影像）造型有着流程、方式、技术与效果上的巨大差异；数字影像造型手段最大的优长是解放了创作者的想象力，也刷新了观众的观影经验。
从创作（制作）与观赏（消费）环链的两极考查，可以说：“没有做不到的，只有想不到的。”要想得到并呈现出相应的效果，创作者就必须建立全新的数字影像造型观念。数字影像造型既可以依赖数字摄像机采集，也可以以直接虚拟的方式生成。
对创作者而言，传统摄影机实拍和摄影棚置景等流程概念需要全面更新，相应地，导演对画面效果的把握，演员的表演以及
布光、拟音、影调、色彩等造型（因素）的掌控也会随之改变。
延及电影的前期工作，对题材的选择、故事的编织、形象的塑造都会发生较大的变化。
德国表现主义电影
表现主义艺术流派兴起于20世纪初，流行于德国、奥地利和欧洲北部等地。它首先出现于绘画当中，要求突破事物的表象，表现事物的内在本质；要求突破暂时的现象描写，展现永恒的真理。因此，表现主义电影是在否定过去、争取自由的情况下出现的，其艺术目的是力图通过不自然的形式和极度失真变形的世界来强烈表达人物内心的恐惧与焦虑情绪。第一部比较有名的先锋派电影是《卡里加利博士》
德国表现主义电影都是以主观的手段营造浓重的神秘主义气氛，主题多为谋杀、死亡、暴力等，环境异化、塑造非自然人物是其不变的风格。
意大利新现实主义是一种风格，也是一种“记录精神”，同时又是一个统一的电影艺术运动。他们主张“扛着摄影机上街”，“到围观的群众中去寻找演员”，“在日常生活中发现事件”。他们利用长镜头进行无剧本实景拍摄，在剪辑、灯光方面避免人为雕琢，起用非职业演员，并在对白中使用地方方言，情节结构松散，不刻意编织情节，而是从人们忽视的事实中去发现“戏剧性”的东西。
直接电影
直接电影产生于20世纪60年代的美国，主张影片制作者应像墙壁上的苍蝇，静静观看，但不介入。
这正与法国的真实电影相反，真实电影主张导演可以介入拍摄过程中，而直接电影将制作者的干预程度降到了最低限度。
直接电影使电影成为了一种尽可能透明的媒介，通过对电影制作者的行为严加限制而提供了一种真实的世界图景。
政治电影指真实地表现政治事件、政治任务和政治思潮的影片。从20世纪60年代起，政治电影开始出现。与那些反映小人物的现实主义不同，政治电影总是涉及大人物，主要涉及上层人物的腐败、交易、暗杀等。政治电影风格犀利、倾向明确。到20世纪70年代中期，这种电影渐趋于衰落。
第一个提出“作者电影论”概念的是特吕弗。1954年，他在《电影手册》上发表了《法国电影的某种倾向》一文。在该文中，特吕弗对当时的法国“优质电影”进行了猛烈抨击，抨击他们的文学性，指出文学性不是真正的电影性，同时提出电影的真正作者应该是导演而非编剧。一个导演如果在其一系列的作品中表现出题材和风格上的某种一贯的特征，就可算是其作品的作者，这便是著名的“作者电影论”。“电影手册”派的电影创作深受巴赞纪实美学理论和意大利新现实主义电影的影响
“电影手册”派共同点
：其一，个人生活以及个人对生活的认识成为绝对的表达中心。 其二，叙事模式与情节结构的非经典型。通过一连串日常琐事的积累来反映当代青年的生活、情感与精神状态。“细节电影”是“电影手册”派的独创。生活细节的琐繁使时间变得破碎，而空间也不再具有稳定性。由于注重细节，强盗、警匪、爱情、家庭伦理等片种类型，甚至喜剧、悲剧的部分元素都散碎为“建筑材料”。戈达尔的《筋疲力尽》便是这一特点的最好明证。 其三，棚外摄影、新器材运用与剪辑方式的创新。
“左岸派”是法国“新浪潮”电影的另一个组成部分，规模不及“电影手册”派，成员比较固定。由于他们都居住在巴黎塞纳河的左岸，因此得名“左岸派”。这一学派是一个松散的社会团体，他们中有些人是电影导演，而有些则是“新小说派”的作家。他们拍电影只是为了探索一种文学化的电影表达方式，因此，“左岸派”的电影风格直接受文学特别是“新小说”的影响，这种影响成为左岸电影的最为明显的标志。总的来说，左岸电影是一种心理电影，银幕千变万化都离不开回忆、预想、记忆、想象等，事实与幻象，失忆的与清醒的，记忆中的与正在发生的，混为一谈。
最后一分钟营救”的内涵及其剪接方式是怎样的？
指通过平行式蒙太奇达到营造追逐和救援的紧张气氛。
所谓平行蒙太奇指的是，在影片结构上着重在两条或几条线索的平行发展，通过各组镜头分别交待两条或几条平行线索的手法。犹如古典小中的“话分两头”的表现手法。
1916年，格里菲斯在影片《党同伐异》中的一场戏，成熟地运用了平行蒙太奇手法，到得了惊人的效果。影片中有这样两组镜头：
一组镜头表现的是参加罢工的工人被工厂主押往刑场处以绞刑的过程；
另一组镜头表现的是工人妻子为了营救丈夫，驾车追赶州长乘坐火车，请求州长签署赦令的过程。
两组镜头交替出现，节奏加快，正当绞索套在工人脖子上即将行刑的千钧一发之际，工人的妻子拿着州长签属的赦免令飞车赶到，工人得救了。“搭救蒙难者于千钧一发之际”。这就是后来被电影史学界誉为“格里菲斯的最后一分钟营救”法。以后的惊险片中便广泛应用了这种平行蒙太奇的手法。国产片《铁道游击队》中，刘洪飞马救芳林嫂的那场戏，也是采用格里菲斯最后一分钟营救法。
平行蒙太奇既可以表现两个不同空间的两条或几条线索的发展，表现多个空间的多条线索的发展，也可以表现在同一空间的两条或多条线索的发展。
什么是蒙太奇？蒙太奇（montage）源自法语，原义为建筑学上的构成、装配之意，借用到电影中，有组接、构成之意。
在电影创作中，根据主题的需要，情节的发展，观众的注意力和关心程度，将全片所要表现的内容分解为不同的段落、场面、镜头，分别进行处理和拍摄。然后再根据原定的创作构思，运用艺术技巧将这些镜头、场面、段落合乎逻辑地，富于节奏地重新组合，使之通过形象间的相辅相成和相反相成关系交互作用，产生连贯、对比、呼应、联想、悬念等效果，构成一个连续不间断的有机艺术整体——一部完整反映生活，表达思想，条理贯通，生动感人的影片。
蒙太奇是电影语言最基本的构成单位。
蒙太奇的含义就是把一部影片的各种镜头按某种顺序、某种需要连接起来，即剪辑。
蒙太奇技术伴随电影艺术的发展而演进，苏联电影学派时期形成蒙太奇理论。
蒙太奇：将片断镜头加以组合，并与声音配合，创造出特殊电影时空的结构方式。
长镜头：指对一个运动画面较长时间的连续不间断地表现，保持运动着画面的整体性。这是法国电影理论家巴赞反对蒙太奇造成的虚假而提出的一种电影美学理论。强调电影的照相本体属性，强调生活的真实性。
电影评论的作用
1. 影评是一种科学的活动，是
电影艺术与观众的桥梁，是实现电影三重价值（艺术的、社会的、经济的）的重要手段。国外影评主要作用于票房价值，中国影评侧重于社会性，形成中国特有的、最广泛的群众影评浪潮，形成中国文艺评论独特景观。
2. 影评本身是一门艺术，有利于提高人的审美能力、思辩能力、写作能力。从写作学的要求看，影评写作需要信息处理能力，也是记叙、描写、议论、抒情能力的综合运用。许多人从影评起家，走上专业文化工作道路。国外文科大学一般都有电影课程。
什么是类型电影
类型电影是指按照不同的类型（或样式）的规定要求制作出来的影片。
不同的类型以及各个类型的规定要求，则是好莱坞的制片人们根据对观众接受心理和消费习惯的分析和研究而确定下来的。
类型电影是好莱坞大制片厂制度的产物，观众需求和商业票房是他的创作依据。
类型电影作为一种拍片方法，实质上是一种艺术产品标准化的生产的规范。
类型电影主要有三个基本特征：
1.公式化的情节：类型片都有其相对固定的叙事模式，不同类型影片也有其特定的情节安排。如：西部片里的双枪决斗、英雄救美、强盗片里的抢劫成功但难逃法网，科幻片里的怪物出世、为害一时，歌舞片里的小人物变大明星等等。
2.定型化的人物：固定的叙事模式必然要求与其相符的人物形象，类型片中人物作为该类型在视觉和内容上的标识，其外貌和性格都是经过定型设计的。如除暴安良的西部牛仔或象征正义的警长，刁蛮任性的富家千金、精神变态的科学家、能歌善舞的贫家姑娘等等。
3.图解式的视觉形象 ：视觉形象是类型影片的重要特征，一些特定的场景在特定类型影片中具有特殊的表意功能和象征意义。如：象征邪恶的幽暗森林、预杀凶险的宫堡或塔楼、孕育灾害的实验室里冒泡的液体等等。
当然，这些基本的特征并非一成不变。不同的导演有自己独特的风格元素，类型的创作规范也会随着社会文化的变迁和观众兴趣的转移而不断改变。在常规模式式中时常加入新的元素和噱头，传统类型中也会衍生出新的类型，不同类裂还会互相借鉴，从而形成复合类型。例如凯文?科斯特纳的《与狼共舞》就是对原有西部片的突破。
喜剧片是以产生笑的效果为特征，通过幽默的语言、夸张的动作和荒诞的情节来激发观众的快乐情绪的电影作品。喜剧电影被认为是最古老的电影类型，从电影诞生之日起便出现了。
恐怖片是专门以离奇怪诞的情节、阴森恐怖的场景和音响效果吸引观众的好奇心，引发观众内心恐惧感的故事片。
恐怖片中通常将环境设置在古老
阴森的城堡或危险怪异的实验室等地，片中的主角大多是一些吸血鬼、恶魔、怪物和僵尸。这些妖魔鬼怪往往危害一时，引起极度恐慌，但最终都会被正义的力量打败，世界重新恢复平静
经典好莱坞的衰弱原因主要有以下几个方面:（一）好莱坞十人案:以“好莱坞十人案”为标志的这次反动运动，严重地损伤了美国电影人和观众对电影的热情，在一定程度上造成了经典好莱坞的衰落。（二）派拉蒙判决
1948年，美国司法部根据新修改的反垄断法判决派拉蒙公司在行业内构成垄断，下令要求派拉蒙公司中止对影院放映网的经营，并宣布这一判决对其他兼营放映的大制片公司同样有效。这一判决就是著名的“派拉蒙”裁决。由于“派拉蒙”裁决改变了制片商与放映商之间的交易关系，制片业的衰落 是不可避免的。（三）电视的冲击：二战后，美国摆脱了经济危机的困扰，迎来了一个新的经济繁荣期。随着收入的提高和休闲时间的增多，美国人的娱乐方式更加多样，电影不再是占主导的娱乐形式。同时，美国兴起了郊区迁移热，许多美国家庭从城市搬到了郊区居住，远离了城市中心的电影院。郊区迁移热以及战后“婴儿潮”的出现，使得人们更热衷于家庭式的休闲娱乐，而电视提供的是一种可以随时获取的家庭娱乐，他的出现正好填补了美国人空余的休闲时间，并且有助于加强郊区的家庭观念。
新好莱坞电影运动的构成：新好莱坞导演群的人员构成较为复杂，大致而言，有三个层面；其一，是一些已在艺术电影创作中树立了名望的欧洲“移民导演”；其二，是来自本土电视、戏剧界和独立制片领域的导演；其三，是更为年轻、数量庞大的一批导演，他们大多出自美国高等院校的电影专业和“B级片”阵营
数字影像的意义：
就电影制作（创作）而言，制作手段始终是为实现创意达成银幕效果服务的工具，但强大的工具性对创作的“反制作用”，同样会带来从艺术观念（思想）到艺术技巧的擅变。
数字影像造型与传统摄影（影像）造型有着流程、方式、技术与效果上的巨大差异；数字影像造型手段最大的优长是解放了创作者的想象力，也刷新了观众的观影经验。
从创作（制作）与观赏（消费）环链的两极考查，可以说：“没有做不到的，只有想不到的。”要想得到并呈现出相应的效果，创作者就必须建立全新的数字影像造型观念。数字影像造型既可以依赖数字摄像机采集，也可以以直接虚拟的方式生成。
对创作者而言，传统摄影机实拍和摄影棚置景等流程概念需要全面更新，相应地，导演对画面效果的把握，演员的表演以及
布光、拟音、影调、色彩等造型（因素）的掌控也会随之改变。
延及电影的前期工作，对题材的选择、故事的编织、形象的塑造都会发生较大的变化。
德国表现主义电影
表现主义艺术流派兴起于20世纪初，流行于德国、奥地利和欧洲北部等地。它首先出现于绘画当中，要求突破事物的表象，表现事物的内在本质；要求突破暂时的现象描写，展现永恒的真理。因此，表现主义电影是在否定过去、争取自由的情况下出现的，其艺术目的是力图通过不自然的形式和极度失真变形的世界来强烈表达人物内心的恐惧与焦虑情绪。第一部比较有名的先锋派电影是《卡里加利博士》
德国表现主义电影都是以主观的手段营造浓重的神秘主义气氛，主题多为谋杀、死亡、暴力等，环境异化、塑造非自然人物是其不变的风格。
意大利新现实主义是一种风格，也是一种“记录精神”，同时又是一个统一的电影艺术运动。他们主张“扛着摄影机上街”，“到围观的群众中去寻找演员”，“在日常生活中发现事件”。他们利用长镜头进行无剧本实景拍摄，在剪辑、灯光方面避免人为雕琢，起用非职业演员，并在对白中使用地方方言，情节结构松散，不刻意编织情节，而是从人们忽视的事实中去发现“戏剧性”的东西。
直接电影
直接电影产生于20世纪60年代的美国，主张影片制作者应像墙壁上的苍蝇，静静观看，但不介入。
这正与法国的真实电影相反，真实电影主张导演可以介入拍摄过程中，而直接电影将制作者的干预程度降到了最低限度。
直接电影使电影成为了一种尽可能透明的媒介，通过对电影制作者的行为严加限制而提供了一种真实的世界图景。
政治电影指真实地表现政治事件、政治任务和政治思潮的影片。从20世纪60年代起，政治电影开始出现。与那些反映小人物的现实主义不同，政治电影总是涉及大人物，主要涉及上层人物的腐败、交易、暗杀等。政治电影风格犀利、倾向明确。到20世纪70年代中期，这种电影渐趋于衰落。
第一个提出“作者电影论”概念的是特吕弗。1954年，他在《电影手册》上发表了《法国电影的某种倾向》一文。在该文中，特吕弗对当时的法国“优质电影”进行了猛烈抨击，抨击他们的文学性，指出文学性不是真正的电影性，同时提出电影的真正作者应该是导演而非编剧。一个导演如果在其一系列的作品中表现出题材和风格上的某种一贯的特征，就可算是其作品的作者，这便是著名的“作者电影论”。“电影手册”派的电影创作深受巴赞纪实美学理论和意大利新现实主义电影的影响
“电影手册”派共同点
：其一，个人生活以及个人对生活的认识成为绝对的表达中心。 其二，叙事模式与情节结构的非经典型。通过一连串日常琐事的积累来反映当代青年的生活、情感与精神状态。“细节电影”是“电影手册”派的独创。生活细节的琐繁使时间变得破碎，而空间也不再具有稳定性。由于注重细节，强盗、警匪、爱情、家庭伦理等片种类型，甚至喜剧、悲剧的部分元素都散碎为“建筑材料”。戈达尔的《筋疲力尽》便是这一特点的最好明证。 其三，棚外摄影、新器材运用与剪辑方式的创新。
“左岸派”是法国“新浪潮”电影的另一个组成部分，规模不及“电影手册”派，成员比较固定。由于他们都居住在巴黎塞纳河的左岸，因此得名“左岸派”。这一学派是一个松散的社会团体，他们中有些人是电影导演，而有些则是“新小说派”的作家。他们拍电影只是为了探索一种文学化的电影表达方式，因此，“左岸派”的电影风格直接受文学特别是“新小说”的影响，这种影响成为左岸电影的最为明显的标志。总的来说，左岸电影是一种心理电影，银幕千变万化都离不开回忆、预想、记忆、想象等，事实与幻象，失忆的与清醒的，记忆中的与正在发生的，混为一谈。